Изобразительное искусство и архитектура в XX веке

Ланшафт, архитектура
Ландшафтная архитектура
История и стили в архитектуре
Орнаментальное искусство
Орнаменты древнего мира
Древнегреческое орнаментальное искусство
Орнаменты Классицизма, Ампира, Модерна
Художественные стили
Авангардизм
Модернизм
Романский стиль
Ампир
Рококо
Модерн
Арт-дизайн
Зарождение арт-дизайна в проектировании мебели
Общие черты и этапы развития культуры ХХ века
Изобразительное искусство и архитектура
Важнейшее искусство XX века – кино
Русская усадьба
Максим Горький в семейной родословной
Кандинский
МОНДРИАН, ПИТ
АБСТРАКЦИОНИЗМ
Суть дизайнерской деятельности
Создание дизайн-концепции
Приемы озеленения территорий
Зонирование сада
Камень для ландшафтного дизайна

Важнейшее искусство XX века – кино. 

В каждую историческую эпоху в искусстве выдвигаются свои лидеры: в эпоху дикости – это наскальная живопись и скульптура. Доминирующая роль скульптуры характерна для язычества, от палеолита до античности. В средневековье центром культуры становится архитектура, и в первую очередь храмовая, церковная. В новое время и, особенно в эпоху промышленной революции доминирующая роль переходит к литературе. XX век – век технологий изменил вновь приоритеты. Сначала лидером был кинематограф, затем телевидение и, наконец, эстрада, точнее массовые зрелища. К сожалению, остальные виды искусства были, как бы отодвинуты на второй план, даже литература и театр, не говоря уже о живописи и скульптуре, которые часто воспринимаются теперь как предметы интерьера. И вряд ли многие из нас воспринимают искусство фотографии именно как искусство.

В самом начале 1896 г. бульвар Капуцинов в Париже заполнили громадные очереди, массы людей стремились взглянуть на «движущиеся картинки» братьев Луи и Огюста Люмьеров, названные ими кинематографом. Первый просмотр состоялся 28 декабря 1895 г. в присутствии всего 35 зрителей. Но братья Люмьер не были единственными первопроходцами. Подобные аппараты были одновременно изобретены в нескольких странах, в том числе и в России. Американцы и сегодня считают создателем кинематографа Томаса Алва Эдисона. На первом сеансе демонстрировалось 10 короткометражек, и почти каждая из них дала начало жанру: выход рабочих с фабрики (документ); обедающий ребенок, золотая рыбка в аквариуме (мелодрама); корабль, заходящий в док, и человек, купающийся в море, поезд, движущийся на публику, обрушивающаяся стена. На первом киносеансе присутствовал иллюзионист Жорж Мольес, который уже в 1896 г. выпустил первый игровой фильм «Исчезающая дама», в котором женщина в мгновение ока превращалась в скелет. К 1902 г. его «Стар уклиз» станет крупнейшей в мире кинокомпанией. До 1914 г. они выпустят 4000 короткометражек.

 В начале ХХ в. быстро развивается искусство монтажа, появляются полнометражные фильмы. Лучшим из них стала 3-х часовая киноэпопея «Рождение науки», американского режиссера У. Гриффата, который и считается изобретателем монтажа. В начале века в США развернулась патентная война между изобретателями, создателями фильмов и кинопрокатчиками, делающими незаконные копии. В Америке до сих пор бытует легенда, что именно из-за этой войны кинопромышленность обосновалась в Голливуде, городе апельсинов, т.к. он находится рядом с мексиканской границей, и можно было быстро ускользнуть от лап Патентной компании.

В ходе патентной войны кинематограф быстро превратился в разновидность коммерции. Компании боролись в первую очередь за кассовый успех. Наиболее популярными жанрами были детективы, фильмы ужасов, комедии, мелодрамы, вестерны. Появились и первые кинозвезды: Мери Пикфорд, Дуглас Фербенкс и, наконец, Чарли Чаплин.

В первую мировую войну, когда в большинстве европейских стран прекратились съемки игровых фильмов, Голливуд стал центром мирового киноискусства. В 20-е годы Голливуд породил серию скандалов, связанных с нарушением нравственного кодекса. Борцом за нравственность выступил сам Голливуд, создав центральный орган «Хейз офис». После того, как эротика хлынула полноводной рекой, надо было соблюсти маленькое правило: в конце фильма грех должен был быть наказан, и нравственность торжествовать. А еще лучше, если грех на экране будет представлен библейскими десятью заповедями (1924 г.).

В 1927 г. немое кино одномоментно исчезает: в кино «пришел» звук. В октябре 1927 года вышел фильм «Певец джаза» с Алом Джонсоном. Переход к звуковому кино требовал вложения новых капиталов, поэтому «Киномоголы» вынуждены были обратиться к банкам и «деловым кругам» за кредитами. Те, взамен денег, рекомендовали избегать щекотливых тем, опасаясь за свой имидж. Если скандал в кино приносил и приносит доходы, то скандал в бизнесе, особенно банковском, часто ведет к краху. В середине 30-х годов был принят Производственный кодекс, по которому запрещалась критика религии, эротика, показ хирургических операций, наркотики, пьянство, жестокость по отношению к детям и животным, любая ругань. Нельзя было убивать полицейских, а только преступников и т.д.

30-е годы стали «золотым веком» Голливуда и эпохой семейного кино. Экран захватили мелодрамы, рассчитанные на детей и на взрослых. Начало развиваться кино, предназначенное для детей и с участием малолетних звезд, что породило массу новых проблем.

 В 1939 г. Джеки Куган, юная звезда Голливуда подал в суд на мать, чтобы вернуть хотя бы часть своих денег. В результате был принят «акт Кугуна», по которому 50 % денег откладывались на личный счет ребенка, которыми он мог пользоваться после достижения им совершеннолетия.

В 20-30-годы быстро развивалась мультипликация. Самым известным режиссером этого жанра стал, конечно же, Уолт Дисней (1901-1966гг). Кинорежиссер-мультипликатор, художник и продюсер. Короткометражные фильмы с постоянными персонажами (утенок Дональд, мышонок Микки и др.), полнометражные «Белоснежка и семь гномов» любимы до сих пор. Он же создатель «Диснейленда» детского парка в Калифорнии. После появления звукового кино быстро развиваются национальные киностудии не только в Европе, но и в Азии и в Австралии. При этом складываются неповторимые национальные особенности этого вида искусства. Стиль французского кино, который часто называют «поэтическим реализмом», связан с именами режисеров Жана Виго, Жака Фрейдера и, конечно, Жана Ренуара. Его фильмы положили начало волне «пессимистического кино», предвещавшего гибель цивилизации. Пессимистическое кино господствовало во Франции со второй половины 30-х годов, с ним связано начало карьеры Жана Габена – первой французской кинозвезды. В 30-е годы оживилось английское кино. Идя в форваторе Голливуда, англичане внесли в кино и тонкий английский юмор, и интеллект. Самым известным режиссером стал Альфред Хичкок, великолепный тонкий стилист, строящий каждый кадр, как картину, умело сочетающий страшное, смешное и романтичное. С начала второй мировой войны Хичкок отправляется в Голливуд, и первый же его фильм «Ребекка» получил Оскара. (Эта премия американской киноакадемии впервые была присуждена в 1928 г. фильмам «Крылья», «Последний приказ»).

В годы второй мировой войны Голливуд процветал. Хотя многие кинозвезды были на войне, Голливуд пополнялся европейскими эмигрантами. В Европе опять взлет интереса к документалистики. Но и в США многие художественные фильмы, в первую очередь о войне, включали документальные кадры. С конца 40-х годов и начала 60-х Голливуд переживает новый кризис, связанный с расследованием «антиамериканской деятельности». Гонениям подвергались те, кто во время войны проявлял симпатию к СССР.

В черные списки к 1952 г. попали 324 человека. Некоторые из них оказались в тюрьмах. Свидетелями по делу антиамериканской деятельности оказались Уолт Дисней, Гарри Купер и Рон Рейган. Именно их показания легли в основу многих арестов. В начале 50-х Голливуд покинул Чарли Чаплин, который вернулся в Америку только в 1971 г. для получения Оскара.

После второй мировой войны и особенно в пятидесятые годы международное признание получают кинематографисты Индии и Японии. Развитие киноискусства в Индии было затруднено существованием каст в индийском обществе, а также множеством диалектов и наречий на котором говорило население страны. Только жанр «масалы» (музыкальной мелодрамы), который строился на основе богатейших национальных традиций древнейшей цивилизации, сделал индийское кино популярным не только в Азии, но и за ее пределами. Всемирную известность приобрел индийский киноактер Радж Капур. 

Японское кино развивается как экспериментальное. Уже в эпоху немого кино оно отличалось неповторимой индивидуальностью, выработкой режиссерами и актерами своего собственного стиля. Многие из японских кинематографистов были увлечены поисками новых технических возможностей кино. Но технические эксперименты сочетались здесь с широкой постановкой социальных и гуманистических проблем. Особое место в них занимала и занимает тема конфликта между древними традициями и современностью. Японское кино опередило европейцев в раскрытии феминистских проблем. Уже с начала 30-х годов многие японские фильмы затрагивали тему положения женщины в обществе. После того как  в 1951 году фильм Акиры Куросавы получил «Золотого льва» на кинофестивале в Венеции, японское кино стало приобретать международную известность.

Среди европейских стран особые успехи были достигнуты в Италии, где сложился мощный стиль итальянского неореализма. Итальянцы выступали против мелодраматизма и сосредоточили внимание на реальных драмах, используя натуральные съемки и игру непрофессиональных актеров. Отчасти это объяснялось и тем, что многие павильоны киностудий были разрушены во время войны. У истоков неореализма стояли Чезаре Дзаватини – кинодраматург и кинокритик. Но классиком неореализма стал Роберто Росселини. Одним из наиболее известных фильмов стал фильм Виторио де Сика по сценарию Дзаватини «Похитители велосипедов».

В тоже время во Франции, напротив, кино отказалось от антифашисткой тематики и ушло в сказки и мелодрамы. Но главной темой осталась человеческая индивидуальность. Самыми известными сказочниками и поэтами французского кино стали Жан Кокто и Жак Тати. Огромное влияние на кино во Франции оказали процессы, происходящие во Французском театре, и в первую очередь, Театре абсурда Жан Поль Сартра. Так, в лучшей своей комедии «Каникулы мсье Юло» Тати отказался от традиционного сюжета, монтируя картину из отдельных связанных между собой эпизодов.

Английский кинематограф в это время берет за основу классическую английскую литературу. Масса экранизаций Диккенса, Шекспира. Англия дает таких актеров, как Вивьен Ли и Лоренса Оливье. Но итальянский неореализм, также как и французский театр абсурда, вышли за национальные рамки. Особенно хорошо их влияние заметно в творчестве великого шведского кинорежиссера Ингмара Бергмана («Седьмая печать», «Земляничная поляна», «Шепоты и крик»). Чем не позднее фильм Бергмана, тем он пессимистичней. Влияние неореализма видно в творчестве испанца Луиса Бюнюэля, который много работал в Мексике и Латинской Америке. Еще в предвоенные годы для развивающегося латиноамериканского кино становится характерным обостренная социальная тематика.

После войны серьезным конкурентом кино становится телевидение. Но кино не сдается, стараясь привлечь зрителей цветом, большим экраном. (В 1958 г. был выпущен первый широкоэкранный фильм «Война и мир» Кинга Вадора). Начинается эпоха блокбастеров: дорогостоящих фильмов с шикарными декорациями, костюмами, звездным актерским набором. Исторические эпопеи играли в них ведущую роль («Бен Гур» Уильяма Уайлерда, «Клеопатра» Джозефа Маккиавели).

В 60-е годы американское кино становится звездным. Актеры осваивают систему Станиславского, а режиссера делают актеры. Масса звезд: Ингрид Бергман, Элизабет Тейлор, Грегори Пек и, конечно, секс – символ Мерилин Монро. С этого времени ведущую роль в кино начинают играть администраторы киностудий, не имеющие искусствоведческого образования. Главным показателем  становится коммерческий успех, а не художественные достоинства и новаторские поиски.

С конца 50-х годов центр киноискусства опять перемещается в Европу. Это связано с кино «Новой волны», родившимся во Франции. Молодые французские кинематографисты выступили как против коммерциализации киноиндустрии, так и против сюжетной предсказуемости фильмов, использования поверхностных штампов в игре актеров, против преднамеренной красочности картин, ведущей к приукрашиванию действительности. Режиссеры «новой волны» не пытались создать иллюзию присутствия зрителя при реально происходящих событиях. Напротив, вводя закадровый комментарий, прибегая к рваному темпу картины, используя различного рода вставки в сюжет, в том числе из популярных фильмов и документальной хроники, они как бы нарочито напоминали зрителю, что он смотрит игровой фильм, а не реальную жизнь. Франс Трюдо («400 ударов», «Стреляйте в пианиста», «Американская ночь»). Они давали зрителю возможность не только сопереживать происходящее, но и анализировать его. Этим же целям служила ломка ими сюжета. Фильм мог начинаться с развязки драмы, переходить к ее кульминации; а причины или зарождение сюжета могло быть вставлены в любую часть картины (Ж. Л. Годар: «На последнем дыхании», «Уикенд»).

 «Новая волна» итальянского кино связана с именами Федерико Феллини и Микеланджело Антониони. Ослепительно-блистательная фантазия Феллини наиболее ярко проявилась в фильме «81/2». Стилистика «новой волны» прекрасно ложилась на фильмы-мемуары, фильмы-воспоминания. Одной из первых картин такого рода стала картина Феллини «Амаркорд».

Темы безысходности и одиночества современной жизни являются характерным мотивом фильмов Антониони («Ночь», «Затмение»). Антониони являлся непревзойденным мастером широкоэкранной мизансцены. В его фильмах ландшафт, пейзаж, интерьер становятся героями картины, весомым дополнительным штрихом сюжета и настроения картины.

«Новая волна» в кинематографе прокатилась по киностудиям всего мира. Принципы этого стиля позволяли снимать как глубоко философские фильмы, так и остросоциальные фильмы протеста. С 70-х годов расширяется география кино. Все громче заявляют о себе кинематографисты Азии и Австралии, Латинской Америки и Африки.

В 70-е – 80-е годы начинается процесс снижения посещаемости кинотеатров. Он связан не столько с развитием телевидения, сколько с появлением и развитием производства видеофильмов. Практически каждый человек создает свой собственный кинотеатр с индивидуальным репертуаром. Видео включило в себя все разнообразие жанров киноискусства, возникших в ХХ веке, но не ограничивается ими. Вслед за телевидением здесь получают распространение не только и не столько научно-популярные фильмы, сколько всевозможные сериалы, клипы, анимационные фильмы. Развитие электронного кино позволяет, с одной стороны, перенести просмотр фильмов в огромные чаши стадионов и крупнейших концертных залов, с другой стороны, каждому зрителю, на своем персональном компьютере стать самому себе режиссером, меняя сюжеты полюбившихся картин или создавая новые. Искусство кино ХХ века с уверенностью и надеждой смотрит в будущее.

Изобразительное искусство и архитектура